CANAL DE MISTERIO

[the_ad id="22569"]

Vuelo 111 de Swissair

por

Vuelo 111 de Swissair

El vuelo 111 de Swissair fue un vuelo programado entre el Aeropuerto Internacional John F. Kennedy en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos, y el Aeropuerto Internacional de Ginebra en Ginebra, Suiza, que sufrió un accidente el día 2 de septiembre de 1998.

El vuelo estaba operado por un avión McDonnell Douglas MD-11 de matrícula HB-IWF de Swissair, que volaba en ese momento en código compartido con la compañía estadounidense Delta Air Lines.

La aeronave se incendió en pleno vuelo y se estrelló en el océano Atlántico, al suroeste del Aeropuerto Internacional de Halifax, en la entrada a la bahía de Santa Margarita (Nueva Escocia, Canadá).

El sitio del impacto estaba 8 km mar adentro, apenas equidistante entre la pequeña comunidad pesquera y turística de Peggys Cove y Bayswater.

Las 229 personas que iban a bordo murieron y además, la pintura conocida «Le Peintre» (El Pintor), de Pablo Picasso, y otra pintura sin identificar, iban a bordo del avión, y resultaron destruidas en el accidente.

A las 20:18 (hora del este) del 2 de septiembre de 1998, despegó del Aeropuerto Internacional J.F.K (Nueva York) el así McDonnell Douglas MD-11 que operaba como el vuelo 111 de Swissair, con destino a Ginebra.

El despegue fue sin problemas, y alcanzó los 10 000 metros de altura mientras se dirigía a las costas de Nueva Escocia y durante trece minutos, o sea, entre las 20:33 y las 20:47, no se registró ninguna comunicación entre la tripulación y la torre de control pues más tarde se reveló que esto se debió a un error en la frecuencia de la radio.

A las 22:13 (hora del Atlántico), los pilotos olieron humo en la cabina y dedujeron que provenía del aire acondicionado, algo muy común en aviones comerciales, por lo que lo cerraron.

Cuatro minutos después el olor volvió y el humo era visible y en consecuencia la tripulación comunicó así al control de tráfico aéreo de Moncton un Pan-pan, indicando que existía una urgencia debido a la presencia de humo pero resulta que no declararon una emergencia como denotaría el código Mayday y entonces, al final aceptaron la proposición del controlador de Moncton de aterrizar en Halifax, a 104 km de distancia.

A las 22:18, la torre de Moncton transfirió el control de la aeronave a la unidad de control de la terminal de Halifax y a las 22:19, la tripulación solicitó más distancia para descender desde los 6400 m al notificárseles que se hallaban a solo 56 km de Halifax.

Dado que el avión tenía sus tanques llenos de combustible y, además, estaba demasiado alto y cerca del aeropuerto, la tripulación optó por descargar combustible a las 22:20 y un minuto más tarde, el controlador desvió el vuelo dirección la Bahía de Santa Margarita, en donde era más seguro descargar el combustible y a la vez mantenerse pues a la misma distancia de Halifax.

De acuerdo con las listas de comprobaciones de la aerolínea tituladas «En caso de humo de origen desconocido», se vió que cortaron la alimentación de los sistemas no esenciales de la cabina.

Esto fue contraproducente, ya que al apagar los ventiladores de recirculación, se formó pues un vacío en el techo de la cocina de primera clase que permitió al fuego esparcirse por fuera de la cabina.

A las 22:24:28, el piloto automático se desconectó y la tripulación comunicó que «ahora debemos volar manualmente», seguido por dos declaraciones de emergencia y diez segundo más tarde, la tripulación declaró la emergencia por una tercera vez, siendo la última transmisión procedente del avión.

La registradora de datos de vuelo dejó de funcionar a las 22:25:40, y un segundo después lo hizo la grabadora de voz pues luego la aeronave reapareció brevemente en el radar, entre las 22:25:50 y las 22:26:04 donde así la última altitud registrada fue de unos 2950 m.

Según la grabadora de voz, el capitán se levantó de su asiento e intentó combatir el incendio con un extintor; las listas de comprobaciones serían encontradas derretidas y fusionadas entre sí, indicando que también se las habría usado así para intentar apagar el fuego y el capitán al no regresar a su asiento se desconoce si murió a causa del incendio, por inhalación de humo o durante el impacto.

La registradora de datos, por su parte, indicó que el motor nº 2 fue apagado debido a una advertencia de fuego en el mismo aproximadamente un minuto antes del impacto, sugiriendo que el primer oficial seguía vivo e intentando pues pilotar la aeronave.

A las 22:31:18, el avión finalmente impactó en el océano Atlántico, a una velocidad estimada de 555 km/h pues resulta que al final sus 229 ocupantes fallecieron y desintegrando la aeronave de manera instantánea.

Fue el segundo peor accidente aéreo de la historia de Canadá, superado por el del Vuelo 1285 de Arrow Air, en 1985, que se saldó con 256 víctimas mortales.

Se descubrió que el fuego tuvo su inicio en un cable defectuoso, perteneciente pues a los televisores individuales del sistema de entretenimiento para el uso y disfrute de la primera clase, por lo que Swissair retiró esos sistemas de toda su flota.

El cable provocó las chispas, pero aún faltaba descubrir qué fue lo que las generó y pronto se encontró la respuesta, o sea, los cables estaban cubiertos por un material inflamable y éste fue el combustible que alimentó el incendio.

Como consecuencia de ello, el fuego avanzó y fue cortando la energía de todo lo eléctrico del avión, incluyendo así las cajas negras y a final, todo dejó de funcionar y el vuelo 111 cayó al océano.

Una vez recuperados los cadáveres, se realizó su identificación, consiguiéndose la mayoría mediante análisis de ADN y para ello se utilizó un programa informático denominado Mass Disaster Kinship Analysis Program que permitió integrar todos los datos de ADN (de las víctimas y sus familiares) y realizar así las correspondientes identificaciones.

En la investigación participaron la policía canadiense, Boeing y Swissair, entre otros.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Vuelo_111_de_Swissair

La historia y el misterio de ‘Las meninas’ de Diego Velázquez

por

La historia y el misterio de ‘Las meninas’ de Diego Velázquez

El gran lienzo muestra a la infanta Margarita Teresa, la hija del rey, rodeada por sus damas–las meninas, que dan nombre al cuadro–mientras Velázquez aparece detrás de un caballete pintando su retrato.

Las meninas, que actualmente forma parte de la colección del Museo del Prado, es la pintura más famosa de la vasta obra de Velázquez.  Pero, ¿qué tiene esta obra maestra que ha intrigado al público durante siglos?  ¿Qué la hace tan innovadora y qué era lo que Velázquez quería transmitir?.

Velázquez había trabajado durante más de 30 años en la corte del rey Felipe IV  cuando pintó Las meninas pues con el paso de las décadas, el pintor se volvió indispensable y se mantuvo cercano al rey sobre todo tras la muerte de su primera esposa y su único hijo.

Cuando se pintó el cuadro, el rey Felipe IV ya estaba casado con su segunda esposa, Mariana de Austria, y Margarita Teresa (la niña que se encuentra en el centro de la pintura) era su primera y única hija.

La pintura, realizada por encargo del rey Felipe IV, fue colgada en la oficina privada de su palacio de verano pues hasta 1819 el cuadro permaneció en el palacio real, y fue entonces que entró en la colección del Museo del Prado.

Mucho de lo que sabemos sobre esta pintura se lo debemos al escritor español Antonio Palomino, quien dedicó una sección completa de su libro sobre artistas españoles a Las meninas.

Además de determinar el año en que se creó la pintura, el autor también identificó a la mayoría de las personas dentro del lienzo, la escena se ubica dentro de una habitación del Real Alcázar de Madrid que fue la residencia oficial de los Habsburgo.

En Tesoro de la Lengua Castellana, Sebastián de Covarrubias señala que el término “meninas” tiene origen portugués y el Museo de Prado señala que este cuadro no siempre fue conocido como Las meninas, ya que en el inventario del Alcázar de 1666 aparece con el título Retrato de la señora emperatriz con sus damas y una enana.

La fascinante pintura coloca a los espectadores en la posición del rey y la reina. Este interesante giro hace que quien mira la pintura sea espectador y participante a la vez.

Por supuesto, el espectador originalmente habría sido Felipe IV, ya que el cuadro estaba colgado en su oficina y teniendo en cuenta esto, Las meninas presenta a un grupo de personajes que habrían sido importantes para el propio rey.

Algunos historiadores del arte han visto esta obra como una forma en la Velázquez buscaba mostrar su propia importancia dentro de la corte. Al elevarse más allá del arte “mecánico” de la pintura, estaba mostrando su valía. Esto habría sido importante cuando se considera un pequeño detalle en el autorretrato del artista.

La cruz roja en su pecho es el símbolo de la Orden de Santiago, una orden religiosa y militar en la que era muy ingresar pero Velázquez fue admitido en 1659 por decreto del rey.

Si bien alguna vez se pensó que el artista agregó la cruz a su pecho años después, los nuevos estudios de conservación muestran que este no fue el caso. ¿Acaso el artista estaba promoviendo un interés personal con esta obra?

El historiador del arte Jonathan Brown, un experto en la figura del pintor Velázquez, ha propuesto otra teoría, o sea, Brown argumenta que la pintura fue realizada entre 1659, cuando el artista fue nombrado caballero, y 1660, cuando Velázquez acompañó a Felipe IV en un importante viaje político a Francia.

Así, Brown ha teorizado que posiblemente Las meninas fue una especie de regalo de agradecimiento al rey Felipe IV por darle el título de caballero a Velázquez.

Sea cual sea el caso, Las Meninas continúa intrigando a los académicos y al público en general por su compleja dinámica entre el pintor, el modelo y el espectador. ¿Quién está mirando a quién? ¿Y por qué? .

Fuente: https://mymodernmet.com/es/las-meninas-velazquez/

Johannes Gumpp, el pintor cuya única obra es un misterioso triple autorretrato

por

Johannes Gumpp, el pintor cuya única obra es un misterioso triple autorretrato

Johannes Gumpp fue un pintor austríaco nacido en Innbruck hacia 1626, y del que apenas se sabe que pertenecía a una familia de artistas activos en Tirol y Baviera entre los siglos XVI y XVIII, y que muy joven se trasladó a Florencia, donde en 1646 realizó las dos copias de su única obra conocida.

Después de eso no se sabe nada de su vida, ni si permaneció en la ciudad italiana o se trasladó a otro lugar, ni por supuesto la fecha aproximada de su muerte.

Lo único que se conoce son dos autorretratos (en realidad dos copias de la misma pintura), uno en formato circular de 89 centímetros de diámetro que se conserva en el Corredor Vasari de la Galería de los Uffizi en Florencia, y otro rectangular que pertenece a una colección privada de Pocking, en la Alta Baviera.

La obra es una especie de triple autorretrato, donde el artista se representa tres veces: la primera de espaldas sin que se le vea el rostro, la segunda mediante su reflejo en el espejo donde se está mirando, y la tercera en la pintura donde se está retratando. Ambas copias de la obra están firmadas y fechadas en 1646 en la hoja de papel representada en el borde superior del lienzo representado.

Además, en la copia rectangular aparecen representados un perro y un gato, cuya presencia los expertos interpretan como una alegoría de la fidelidad y la autonomía propias de la pintura.

Según Pino Blasone en Mirrors, Masks and Skulls:

Probablemente y en particular, lo que nuestro pintor filósofo quería decir es que el tema de una persona real es a menudo un misterio para los demás e incluso para sí mismo. Lo que podemos ver son los objetos de su reflejo «exacto» en un espejo, o de su interpretación autónoma dada por un artista. No pocas veces el segundo es más verdadero que el primero, aunque parezca una transfiguración más que una simple representación

Para el pensador francés Jean-Luc Nancy, esta representación múltiple e incluso redundante del sujeto es un desafío paradójico a la precariedad y a la inminente ausencia del propio sujeto, con todas sus características personales y límites individuales.

El artista norteamericano Norman Rockwell haría en 1960 su propia versión del tema en tono irónico, titulándolo muy apropiadamente Triple retrato, pero dejando fuera al perro y al gato.

Con todo, lo que Gumpp quiso transmitir mediante tan extraño y singular autorretrato queda sujeto a la especulación y la interpretación. Por qué no pintó más obras o si lo hizo con otro nombre o pseudónimo, seguirá siendo un misterio.

Fuente: https://fr.m.wikipedia.org/wiki/Johannes_Gumpp

El gato negro de la casa Killakee en Dublín

por

El gato negro de la casa Killakee en Dublín

En 1968, la Sra. Margaret O’Brien y su marido, Nicolás, compraron lo que entonces era un edificio abandonado con la intención de convertirlo en un centro de arte donde varios trabajadores que vivieron en el lugar durante la renovación,  pronto se acostumbraron a los sonidos espeluznantes y sucesos extraños.

Un día mientras trabajaban, un gran felino de color negro apareció misteriosamente delante de ellos para luego desaparecer de repente pues fue así como nació la leyenda del gato negro de Killakee.

La Sra. O’Brienen un principio no creyó las historias que sobre el gato negro le contaban los trabajadores, hasta que ella también vio a la criatura y, según sus propias palabras, “comenzó a saber lo que era el miedo.”

La primera vez que lo vio, estaba parado sobre las losas del pasillo mirándola. Lo más sorprendente es que cada puerta de la casa estaba cerrada con llave, antes y después de su repentina aparición y posterior desaparición.

Pero fue el pintor, Tom McAssey quien tuvo el peor encuentro con la misteriosa criatura ya que en marzo de 1968, él y otros dos hombres estaban trabajando en una habitación de la casa, cuando la temperatura comenzó a descender alarmantemente. 

De repente la puerta se abrió de par en par y una figura borrosa apareció en la oscuridad pues pensando que era alguien gastando una broma, McAssey dijo: “entra, puedo verte.”

Los tres hombres se paralizaron de terror cuando la respuesta fue un gruñido enojado en voz baja lo que hizo que momentos después huyeron de la habitación cerrando la puerta tras ellos. 

Pero, cuando Tom McAssey miró hacia atrás, la puerta estaba abierta de nuevo, y un gato negro horrible con brillantes ojos rojos estaba gruñendo hacía él desde las sombras de la habitación. “Pensé que mis piernas no me iban a sostener”, recordó más tarde: “Yo estaba realmente aterrorizado.”

Tras este encuentro escalofriante Margaret O’Brien había exorcizado el edificio y las cosas se calmaron por un tiempo. Pero entonces, en octubre de 1969, un grupo de actores que se alojan en el centro de arte, decidieron celebrar una sesión de ouija y los disturbios comenzaron de nuevo. Por otra parte, parecían haber atraído el espíritu de dos monjas, que aparecerían ante testigos sorprendidos en la galería del centro.

Una médium local, Sheila St. Clair, visitó la propiedad y afirmó que los fantasmas eran los espíritus infelices de dos mujeres que habían asistido a rituales satánicos celebrados durante las reuniones de la famosa Hell Fire Club en el siglo XVIII.

Richard Parsons había fundado una sucursal irlandesa de este club en 1735 y se dice que celebraban sus siniestras asambleas satánicas, en un pabellón de caza, cuyas ruinas aún se pueden ver en la colina Montpelier, detrás del centro de arte.

La leyenda local dice que Richard “Burnchapel” Whaley, un miembro de una de las familias más ricas de la zona, se había unido a la sociedad y se había deleitado en los rituales libertinos que incluían la quema viva de un gato negro en al menos una ocasión, la adoración de los gatos en lugar de al mismo Satanás, el incendio de una mujer dentro de un barril, y el asesinato ritual de un pobre niño deforme.

En una reunión del club en 1740, se dice que un siervo derramó una copa en Thomas Whaley, y éste se enfureció tanto por el accidente que roció al siervo con brandy y le prendió fuego. El posterior incendio quemó el edificio y mató a varios miembros del club.

En julio de 1970, un esqueleto enano se descubrió enterrado bajo el suelo de la cocina del edificio y en la tumba con él estaba la estatuilla de bronce de un demonio monstruoso. Un sacerdote fue llamado para dar al cuerpo un entierro apropiado y posteriormente las manifestaciones cesaron.

Posteriormente, ya en 1976, los O’Brien decidieron vender la casa y los nuevos propietarios decidieron entonces, conociendo las historias que circulaban por allí, encargar por si acaso un segundo exorcismo y desde entonces parece que por fin cesaron todos los fenómenos.

Hoy en día, todavía existen recordatorios de sus siniestras andanzas donde el principal de ellos es el retrato de “El Gato Negro de Killakee” que mira obsesivamente por debajo de una de las paredes, sus ojos rojos misteriosos y características casi humanas suficientes, para dar escalofríos a quien lo mire.

Fuente: https://www.misterioanimal.com/killakee-house/

Los misterios que encierra el cuadro de «La última cena» de Leonardo da Vinci

por

Los misterios que encierra el cuadro de «La última cena» de Leonardo da Vinci

Se dice que Leonardo dejó reflejado un gran secreto en el cuadro que de ser descubierto y sacado a la luz destruiría los cimientos de la Iglesia tal como la conocemos:

El nudo en el mantel de la mesa:

En el lado derecho de la mesa hay un nudo que para algunos es un símbolo que significaría que hay una mujer presente en la mesa (sería María Magdalena al lado de Jesús), y sin embargo, para otros significaría la firma de Leonardo Da Vinci en el cuadro.

El nudo en el mantel de la mesa

En esa época, los autores no firmaban sus obras, así que el nudo podría ser la representación del autor y la palabra “nudo” significaba en italiano “vincolo”, que es una palabra parecida a “Vinci” que es el pueblo donde nació Leonardo y ahí estaría la conexión.

Leonardo pudo retratarse en el cuadro:

Según se cuenta, Leonardo pudo hacer un autoretrato y simbólicamente da la espalda a Jesús. Leonardo era un gran admirador de la ciencia y se cuenta que en este retrato dejaba claro su rechazo a las doctrinas de la Iglesia Católica.

Leonardo en el Cenacolo y autoretrato de Leonardo

Sin aros de santidad:

Ninguno de los apóstoles aparece con aro de santidad, cosa extraña ya que hasta entonces siempre se representaba con el aro. Leonardo decidió retirarselo a todos, incluso a Jesús.

Platón aparece en la pintura:

La pasión que sentía Leonardo por la ciencia la dejó claro, según algunas teorías, representando al apóstol Simón como uno de los bustos más reconocibles del mundo, el de Platón. De esta manera, hubiera podido dejar claro el artista que anteponía la ciencia a la religión.

Platón en el Cenacolo y el busto de Platón

La figura de María Magdalena:

Mucho se ha hablado de la figura del que se supone es el apóstol Juan ya que algunas teorías contemplan que en verdad no era el apóstol Juan sino María Magdalena.

María Magdalena junto a Jesús

Estas teorías dirían que la la figura de María Magdalena fue mucho mayor del que la Iglesia le ha querido dar y que habría sido la compañera sentimental de Jesús. Además, entre la figura de ella y de él, se crearía una V, que presenta a la mujer, una señal más de que había una mujer en la mesa

El bebé de María Magdalena y Jesús:

Este descubrimiento ha aparecido muy recientemente, de hecho hasta 2011 nadie lo había notado. Sin embargo, justo al lado de la figura de Judas, en lo que debería ser su cuello, algunos creen que Leonardo pintó un bebé.

El bebé

De ser cierto, y al juntar la figura de Jesús, la figura de María Magdalena y el bebé, tendríamos a la Santa Trinidad: la madre, el hijo y el espíritu santo, es decir, Leonardo habría representado el Santo Grial.

El cuchillo, el único arma:

El apóstol Pedro es el único personaje en la obra que porta un arma, en concreto, tiene en su mano un cuchillo. Sobre este misterio hay teorías que cuentan que Pedro, con su cuchillo y su otra mano apuntando al apóstol Juan o María Magdalena, significa la guerra entre las dos Iglesias: la Iglesia clásica (representada en Pedro) y la nueva iglesia (representada en Juan o María Magdalena), la que llaman iglesia de la mujer.

El cuchillo que sostiene Pedro

Sin cáliz:

Precisamente en este momento en el que Jesús celebra la última cena, arranca la ceremonia de la Eucaristía y es muy significativo que el cáliz no aparezca en ningún momento en la obra.

Según algunas teorías, no aparece porque el cáliz es María Magdalena que portaba la sangre de Cristo, y eso podría referirse al útero y al hijo que se dice tuvieron Jesús y María Magdalena, que tras la muerte de Jesús, viajó para esconderse en Francia, junto con la niña cuyo nombre se cuenta era Sara.

Judas entre los apóstoles: 

Judas entre los apóstoles

Hasta ese momento, el traidor Judas siempre había estado representado fuera del grupo de los apóstoles, incluso al otro lado de la mesa en algunas ocasiones. Leonardo fue el primero en representar a Judas en la misma categoría que el resto.

Fuente: https://desdemilan.wordpress.com/2013/09/17/la-ultima-cena-de-da-vinci-origen-de-misterios-y-esoterismo-ii/

Los enigmas escondidos en el retrato del matemático Luca Pacioli

por

Los enigmas escondidos en el retrato del matemático Luca Pacioli

En el Museo Nacional de Capodimonte (Nápoles) se encuentra un cuadro titulado «Retrato de Luca Pacioli con alumno», la obra más representada en los libros de historia de las matemáticas. En él aparece el famoso matemático Luca Pacioli (1445-1517).

La obra se atribuye al pintor Nicolo Barbari (1445-1516) –discípulo de Alberto Durero-, aunque hay estudiosos que afirman que pudo salir del taller de Leonardo da Vinci (1452-1519), por aquel entonces amigo personal del insigne matemático.

Pacioli hizo votos de castidad y pobreza como fraile franciscano en 1472, por ese motivo en el cuadro aparece ataviado con el hábito de la orden. El pintor lo representa señalando con un pizarrín, una construcción geométrica, en cuyo centro aparece el nombre de Euclides.

Es precisamente este detalle el que ha aventurado a algunos expertos a defender la teoría que toda la composición es en sí misma la solución a uno de los enunciados de este matemático.

La mano izquierda de Pacioli descansa sobre un libro abierto, probablemente una copia del siglo XIII de «Elementos», de Euclides. A la derecha aparece otro libro, de canto, en donde aparecen las iniciales del matemático. Probablemente, se trate de «Summa», su obra más prestigiosa y la gran enciclopedia matemática del siglo XV.

En «Summa» se describe por vez primera el método de la doble entrada –debe y ha de haber-, por lo que Pacioli es considerado el padre de la contabilidad moderna.

Sobre el libro «Summa» aparece un dodecaedro ejecutado en madera, el quinto sólido platónico, al que se le asignaba la quinta esencia –el éter- la sustancia que formaba el cielo. Hay que tener presente que en la época que se pintó este cuadro había una gran pasión por este elemento, ya que era la base de numerosas teorías matemáticas.

En la esquina superior izquierda aparece representado un rombicuboctaedro de cristal, lleno de agua hasta la mitad y suspendido de un hilo. Esta figura es un sólido convexo formado por veintiséis caras y que simbolizaba la pureza y la intemporalidad.

Sobre la mesa hay, además, una esponja, un compás, una tiza, un transportador de ángulos… que dan un cierto aire de misterio a la composición y, de forma metafórica, sirve al Pacioli de tarjeta de presentación.

En cuanto a la composición, es posible que el pintor lo representase en mitad de una clase y el que aparece a su izquierda sea simplemente el «eterno estudiante». Algunos defienden que el alumno es el duque Guidobaldo da Montefeltro, un personaje de noble porte que mantiene fija la mirada hacia el espectador, ajeno a lo que sucede a su alrededor.

En 1493, mientras impartía clases de matemáticas en la Universidad de Padua, su orden le amonestó por relajarse en sus funciones religiosas y extralimitarse en su pasión matemática. Le castigaron a abandonar las aulas universitarias.

Pacioli no tuvo más remedio que trasladarse a Asís, ya que pesaba sobre él la amenaza de excomunión. El exilio forzado se prolongó durante dos interminables años, hasta que el papa Julio II le permitió retornar a sus actividades académicas.

Fuente: https://www.heraldo.es/noticias/sociedad/2010/11/08/el-enigmatico-retrato-luca-pacioli-111643-310.html

Descubierto un retrato oculto bajo la «Santa Catalina» de Artemisia Gentileschi

por

Descubierto un retrato oculto bajo la «Santa Catalina» de Artemisa Gentileschi

El descubrimiento de una segunda pintura debajo del retrato de Santa Catalina de Alejandría realizado por Artemisia Gentileschi (1593-1654) entre los años 1618 y 1619 ha causado sensación en el mundo del arte; la autora es una artista símbolo del feminismo, y se entre las más destacadas del Barroco y en particular del «caravaggianismo».

En un análisis con Rayos X del célebre retrato de Santa Catalina, que se conserva en la Galleria de los Uffizi de Florencia, se han revelado varias sorpresas; entre ellas, descubrir que bajo la tela pintada tal y como hoy la vemos existe otra versión anterior, en la que la figura de la santa aparece sin corona, con un turbante y con la cara más orientada hacia el observador.

Los estudios realizados por los restauradores del prestigioso instituto Opificio delle Pietre Dure muestran también varios detalles; entre otros, «una inicial posición diversa de la mano izquierda de la santa, después cambiada por la artista Gentileschi, y un velo sobre el escote del vestido».

Cabe destacar que, en la época, muchos artistas estaban acostumbrados a reutilizar la misma tela, para ahorrar en materiales, con la certeza de que nadie podría ver sus dudas y repensamientos, escondidos bajo el velo de las sucesivas pinturas.

El retrato de Santa Catalina de Alejandría de los Uffizi representa a una joven de noble linaje con una corona de piedras preciosas; en su mano derecha tiene la palma del martirio, y la izquierda la apoya en la rueda dentada, símbolo del suplicio al que, según la leyenda, fue sometida la joven en torno al 305 d.C. por el gobernador Massimino, por no haber rechazado la fe en Cristo y rechazar casarse con él.

Del análisis que los restauradores han hecho de esta obra extraen dos conclusiones: En primer lugar, destacan que «la versión de la mártir con el turbante que aparece bajo la pintura de los Uffizi es prácticamente idéntica a la obra de la artista Gentileschi, comprada hace algunos meses por la National Gallery de Londres. En segundo lugar, confrontando los dos cuadros, el de los Uffizi en Florencia y el del museo londinense, se confirma la tesis según la cual Artemisia usaba habitualmente su propia imagencomo modelo para pintar las figuras femeninas.

Las dos telas, la de Londres y la de Florencia, derivan de un mismo diseño» y que según los especialistas florentinos, Gentileschi modificó el dibujo de Santa Catalina colocando una corona con elementos de los Médicis en homenaje a la hija de Fernando I de Médicis que se llamaba Catalina, como la santa.

Fuente: https://www.pinterest.es/

El fantasma del cuadro del Museo INBA

por

El fantasma del Museo INBA

Los museos también tiene sus historias, y el Museo del INBA no es la excepción, ya que ahí gira una leyenda en torno a un cuadro  del autor inglés Victor Csharf, cuyo título es “La Abuela Enlutada”, quien se sale del cuadro en las noches del mes de Noviembre, que fue exactamente el mes en que falleció en Inglaterra.

Se comenta que entre los “pasatiempos” favoritos de“La Abuela” está el apagar la calefacción y las luces a cualquier persona que se encuentre dentro de las instalaciones del museo ya entrada la noche, pues sin importar que ella dejó de existir hace mucho tiempo existe la creencia de que su espíritu permanece unido al cuadro.

Fuente: http://juarezunaciudaddemisterio.blogspot.com/

Historias de fantasmas en edificios de Córdoba

por

Historias de fantasmas en edificios de Córdoba

La Casona Municipal y el Museo Genaro Pérez son dos sitios de la ciudad que acumulan historias tétricas en cada uno de los rincones, historias de familias atravesadas por la tragedia o de imágenes, espectros del pasado, que reclaman su lugar en el presente.

El cuadro de la niña que va y viene es una de las anécdotas que erizan la piel. En el Museo cuentan que la niña, pintada por el mismo Genaro Pérez, durante el día reposa en su lienzo y que han notado la ausencia de la imagen durante algunas noches.

¿A dónde irá? Pocos se han atrevido a tratar de contestar esta pregunta, pero varias personas que trabajan en el lugar también contaron haber visto a otra niña, con atuendos de principio de siglo, sentada sobre la escalera.

La Casona Municipal es otro polo de muertes y misterios. Era propiedad de Ismael Galíndez, un reconocido notario de la década de 1880, y fue construida en esa época.

Según cuentan Nora Rajevic, guía de turismo de la Muni, la familia Galíndez tenía un alto poder adquisitivo, pero también estuvo signada por el horror: una de las hijas de Ismael se tiró desde el balcón de un patio interno estando embarazada y el hijo se ahorcó por problemas de juego.

Dicen los que cuidan la Casona que en los días de tormenta una chica de pelo largo vestida de época se asoma por una de las ventanas del edificio que da a la calle Rioja.

La niña que se suele ver en la escalera del lobby del Museo Genaro Pérez sube y baja los escalones vestida también con ropas antiguas. Nora cuenta que esta casona, de estilo francés, fue habitada por Félix T. Garzón, gobernador de la Provincia, y se estima que esa pequeña era su sobrina.

Fuente: http://diaadia.viapais.com.ar/

Venden una verdadera pintura embrujada que causó actividad paranormal en una casa de Nueva Zelanda

por

Venden una verdadera pintura embrujada que causó actividad paranormal en una casa de Nueva Zelanda

La mayoría de las pinturas embrujadas pertenecen a la era de las pinturas de arte moderno. En primer lugar, pueden parecer inofensivas, pero lo suficientemente intensas como para propagar el miedo y causar daño a quienes se atreven a acercarse lo suficiente. Y si después de leer esto continúas teniendo cierta curiosidad sobre las pinturas embrujadas, ahora puedes comprar una de ellas.

La pintura en cuestión se llama “Soul Bowl” y fue comprada en una tienda de antigüedades de Pauanui, Nueva Zelanda, pero el propietario de la obra de arte cree que “algo entró en la casa con eso”. Al parecer, la obra fue pintada por un artista local, y fue adquirida por el vendedor durante sus vacaciones, el 17 de septiembre de 2017. Le llamó la atención los colores cobrizos y el esquema de colores neutros, por lo que quedaba bien con sus muebles de madera.

Todo comenzó una noche después de comprar la pintura, cuando se cayó de la pared, aunque estaba perfectamente sujeto. A partir de ese momento, comenzó la verdadera pesadilla. La pintura se encontraba colgada en una habitación del último piso de la casa y una vez, en un momento en que nadie estaba en casa en ninguna de las habitaciones, vieron desde la calle cómo la silueta oscura de un hombre que cruzaba la habitación se reflejaba en las ventanas.

Después hubo otro caso en que el dueño de la casa miró por la ventana por la noche y vio que su propia sombra había aparecido de forma terrible bajo la ventana, como si se tratara de otra persona. Su esposa en ese momento dormía tranquilamente a su lado, por lo que era imposible que hubiera nadie más presente en ese momento.

Después de eso, el propietario decidió no convivir más con la pintura en la misma casa y la puso a la venta en el portal de subastas online neozelandés Trade Me, advirtiendo a los futuros compradores sobre la naturaleza anormal de la obra de arte y recomendando comprarla a todos aquellos que estén interesados ​​en los fenómenos paranormales.

“Se cayó de la pared una noche, y otra noche se proyectó una figura sombría (en movimiento) desde la ventana de la habitación de arriba donde se colocó pintura (no había nadie en la habitación) y mi propia sombra se proyectó sobre la calle cuando miré por la ventana… espeluznante… mi pareja dormida y nadie más en la casa. La vendo ya que es demasiado espeluznante. Ideal para alguien que está interesado en lo paranormal”, reza la descripción de la pintura en el portal Trade Me.

El vendedor también explica que es un escéptico con todo lo relacionado con lo paranormal, pero no puede explicar la presencia de las sombras y cómo es posible que la pintura se cayera de la pared estando bien sujeto. También explicó que no querían destruirlo o tirarlo, para no tener más problemas.

Fuente: https://www.mundoesotericoparanormal.com/

CANAL DEL MISTERIO