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La verdadera historia del magnífico Broche de Tara

13 octubre, 2016 por Jose Miguel González Aller Deja un comentario

La verdadera historia del magnífico Broche de Tara

El Broche de Tara fue descubierto en Irlanda. A día de hoy está considerado una de las más grandiosas obras maestras que han llegado hasta nosotros de la orfebrería céltica. Cuenta la leyenda de este broche que fue descubierto en un lugar conocido como la Colina de Tara, considerado tradicionalmente sede de los Altos Reyes de Irlanda. Sin embargo, el vínculo entre el broche y este importante emplazamiento irlandés se lo inventó un joyero que deseaba incrementar el valor de la pieza.

Está documentado que el Broche de Tara fue hallado en una playa de Bettystown, cerca de Laytown, en el Condado de Meath. La campesina que supuestamente encontró el broche en agosto de 1850 aseguraba haber encontrado la joya en una caja enterrada en la arena cuando realizó el descubrimiento.

Sin embargo, muchos no creen tampoco ni una palabra de esta otra versión. En su opinión el broche fue desenterrado realmente en algún lugar del interior. Solo que, a fin de evitar una disputa legal con el propietario del terreno, la familia de la mujer habría mentido acerca del lugar en el que fue descubierto el broche.

De cualquier manera, el broche fue vendido a continuación a un comerciante, tras lo cual acabó en manos de un joyero de Dublín llamado George Waterhouse. Por aquel entonces, Waterhouse ya estaba produciendo joyas modernas de estilo celta, increíblemente populares a lo largo de la década anterior. Fue también mérito de Waterhouse influir en las tendencias de la época para conseguir cambiar el nombre del broche. Al asociar la pieza con la sede tradicional de los Altos Reyes de Irlanda, la Colina de Tara, Waterhouse acrecentó la fama y el valor económico del broche.

Este hecho pudo ser comprobado al mostrarse al público el Broche de Tara en la Gran Exposición de Londres de 1851. Unos años más tarde, en 1853, el broche fue expuesto también en la Exposición Universal de París, además de en la Gran Exposición Industrial de Dublín, que fue visitada por la reina Victoria. En 1872 el Broche de Tara pasó a formar parte de la colección de la Real Academia Irlandesa. Finalmente, fue donado al Museo Nacional de Irlanda, donde aún se encuentra expuesto en la actualidad.

El Broche de Tara es considerado a menudo una de las más grandiosas obras maestras de la orfebrería céltica. El análisis de esta joya ha demostrado que fue confeccionada con oro, plata, ámbar y vidrios coloreados. El Broche de Tara pertenece a la categoría de broches conocida como lsquo;pseudo-penanularesrsquo;.

Los broches penanulares son uno de los tipos más habituales de broches antiguos, y son reconocibles por su forma de círculo abierto y sus extremos profusamente decorados. Aunque los broches pseudo-penanulares se parecen a los penanulares por sus extremos ornamentados, de hecho son círculos cerrados y no abiertos como los penanulares.

Broche de Rogart, ejemplo de broche penacular picto

Las dos caras del Broche de Tara, es decir, su anverso y su reverso, se encuentran magníficamente decoradas con gran detalle, aunque algo más en su parte frontal que en su reverso. Basándose en la calidad de los materiales empleados para la fabricación del Broche de Tara, así como en su fina artesanía, los expertos creen que esta pieza fue realizada para un opulento cliente, probablemente un hombre. Además de ajustar la capa de su propietario, el broche también habría servido como símbolo de riqueza y elevada posición social.

Gran parte de la decoración del broche es entrelazada, y a menudo incluye figuras zoomórficas. Es éste un motivo destacado en la tradición artística céltica, lleno de significado simbólico. En el Broche de Tara se pueden encontrar motivos animales como aves y cabezas de lobos y dragones.

Aunque el simbolismo de esta decoración es de origen precristiano, continuó siendo utilizada tras la llegada del cristianismo. Por otro lado, se cree que estos símbolos zoomórficos habrían adoptado nuevas formas con complejos significados cristianos, que habrían desaparecido de la memoria popular con el paso del tiempo. También se considera que este tipo de decoración tenía el poder de proteger del mal a quien la llevaba.

Fuente: http://imperiocrucial.com/

Georgiana Houghton: la primera artista abstracta de la Historia que veía fantasmas

12 septiembre, 2016 por Jose Miguel González Aller Deja un comentario

Georgiana Houghton: la primera artista abstracta de la Historia que veía fantasmas

Georgiana Houghton (Las Palmas, 20 de abril de 1814 – Londres, 1884) era un artista victoriana británica y medium nacida en España. Al revisar su pintura en 2016 algunos críticos de arte consideran que sería la primera pintora expresionista sin embargo no fue reconocida por el hecho de ser una mujer. También porque dedicó su vida al espiritismo y no a dar a conocer su trabajo.

Nació en Las Palmas de Gran Canaria. Fue la séptima de los hijos de una familia de comerciantes que se trasladó a Londres, donde se formó Georgiana. En 1851 murió una hermana con la que ella se sentía muy unida y la llevó a intentar comunicarse con el espíritu de la difunta. El espiritismo, a su manera compatible con la religión cristiana, llevó a Georgiana en 1861 a producir dibujos de la mano de los fantasmas.

Era autodidacta y empezó a producir dibujos “espirituales” en 1859 en sesiones privadas. “El espíritu es quien conduce mi mano cuando pinto sin que yo pueda hacer nada para controlarlo“, escribe Georgiana.

Entre los años 1860 y 70, produjo una sorprendente serie de acuarelas abstractas asegurando que estaba guiada por varios espíritus, entre ellos varios artistas del Renacimiento, así como seres superiores angelicales. Houghton se asoció con el fotógrafo de espíritus fraudulento Frederick Hudson para vender reproducciones de sus fotografías.

En 1871 con una producción de 150 obras expuso en la New British Gallery, en Bond Street ante el público perplejo de Londres. La exposición resultó un fracaso comercial y la dejó en la quiebra. Posteriormente continuó pintando pero su trabajo no se llegó conocer.

La muerte de sus padres y de sus protectores familiares la incitaban en su objetivo de comunicarse con los muertos. Se hizo fotógrafa en un estudio de Londres para captar con la cámara fotográfica sombras y signos de otras vidas, ajenas a la suya. Murió en la pobreza en 1884 en Londres.

La mayoría de sus obras recalaron en la Unión de Espiritistas Victorianos de Melbourne (Australia), donde fueron enviadas para una exposición que no se llegó a realizarse.

Dos obras destacadas de Georgiana Houghton

En 1882, Houghton publicó Crónicas de las Fotografías de Fenómenos y Seres Espirituales Invisibles al Ojo Material. El libro incluyó fotografías de espíritus de Hudson y otros fotógrafos que presentan medios como Agnes Guppy-Volckman, Stainton Moisés y espiritualistas como Alfred Russel Wallace y William Howitt. Las fotografías en el libro fueron criticadas por el mago historiador Albert Un. Hopkins. Notó cómo las fotografías tenían una mirada dubitativa y fácilmente podría ser producido por métodos fraudulentos.

En junio 2016 el Courtauld Instituto de Arte organizó una exposición titulada “Dibujos Espirituales” presentando obras del trabajo de Houghton que sobrevivieron.

Algunos críticos consideran que su pintura de haber sido conocidas y difundidas, se hubiesen adelantado a Wassily Kandinsky y sus teorías del arte abstracto de 1910 y Georgiana hubiese sido la fundadora de este arte en lugar del ruso. Mundos cósmicos en los que reina el orden del desorden. Pero, a diferencia de Kandinsky, la canaria vivió en la oscuridad del espiritualismo en la época victoriana en Londres.

En 2016 la galería Courtauld rescató la pintura de Houghton del olvido. Al igual que ella hizo en 1871 la galería también ofreció al público lupas para examinar con mayor atención las pinturas.

El veterano crítico de arte Waldemar Jannuszczak dijo sobre la pintura de Houghton: “Raras veces en mi vida de crítico de arte me he quedado tan pasmado como delante de las acuarelas de Georgiana Houghton. Las fechas de sus dibujos hicieron que me restregara los ojos con incredulidad […] Ha aparecido una artista en el arte que reescribe la Historia” y Jonathan Jones escribió en The Guardian: “Es la primera artista abstracta […] Esta mujer fue un genio que sólo pudo crear y enseñar su arte atribuyéndolo a hombres blancos muertos”.

La obras expuestas llevan títulos como Flor de Warrand Houghton, La Sagrada Trinidad, 29 de noviembre de 1861, El monograma de Cromwell Varley, de 1869, o El ojo de Dios.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Cuando España dibujaba el mundo, joyas de la cartografía en una exposición del Museo Naval

22 diciembre, 2015 por Jose Miguel González Aller Deja un comentario

Cuando España dibujaba el mundo, joyas de la cartografía en una exposición del Museo Naval

La historia de cómo se exploró el mundo ha quedado plasmada en los mapas y buena parte de los más antiguos son de origen español. Para mostrar las joyas de la cartografía que guarda la Armada en sus archivos, el Museo Naval de Madrid acaba de inaugurar la muestra «Dueños del mar, señores del mundo», un recorrido por los mapas y cartas de navegación desde la edad media hasta nuestros días que dan cuenta de la aventura de una nación que dibujaba continentes a medida de avanzaba hacia horizontes siempre esquivos y de la continuidad de la marina cartográfica.

Comisariada por José María Moreno Martínez, la exposición recorre la época de la Marina Aragonesa y los mapas portulanos, pasando por el Mar Tenebroso y la travesía hacia el nuevo continente, hasta la exploración del Pacífico en un relato que «demuestra que no ha habido mar que no navegaran los españoles desde los comienzos, porque nuestros marinos dibujaron el mundo».

Los portulanos plasmaron las primeras rutas y detalles decorativos sobre las tierras del mundo conocido para los pilotos que se aventuraban en el mar «familiar» del mediterráneo, pero la muestra no ha querido exponer los más conocidos. El de Juan de la Cosa permanece en la sala del Museo Naval en la que siempre ha estado. En su lugar se muestra el portulano de Mateo Prunes, de la escuela mallorquina, realizado en 1563, que enseña un mundo incompleto, como pronto Colón demostraría. «He elegido piezas de gran relevancia aunque no sean las más conocidas», dice Moreno Martín.

Le acompaña un Atlas Náutico de 1375, en el que aparece, por primera vez, la rosa de los vientos, y la carta de Colón, publicada en Lisboa en 1490. «Me interesa de los mapas no solo su bella realización final, sino el antes y el después, y también el porqué», refiere el comisario. Atravesar el Atlántico cierra una era de navegación y se muestra no solo un modelo de un barco de la época -una coca veneciana del siglo XIII-, sino el primer globo terráqueo del que tenemos noticia, el de Martín Behaim.

Con el descubrimiento y los viajes de Colón se abre una era diferente, la de la navegación astronómica. En el Mar Tenebroso no sirve la orientación que regía en el Mediterráneo, sus peligros no pueden esquivarse sino con cálculos científicos para representar en un punto concreto del globo la situación de los barcos. Portugal, bordeando África e inmediatamente España llegando a América tienen que inventar un sistema distinto, basado en instrumentos de medición astronómica. La Casa de la Contratación se convertirá en el centro neurálgico y secreto de los descubrimientos geográficos y astronómicos de los navegantes españoles.

Toda la información que iba llegando se guardaba por orden del Rey en unPadrón Real, un mapa por el que mataban los espías de las potencias del XVI enviados a Sevilla y que recogía detalles del mundo aún desconocido, cuyas costas fueron dibujándose rápidamente a medida que los barcos de la Armada los recorrían. Quedan muy pocos ejemplares en el mundo y en la muestra hay un facsímil del padrón de Juan Vespuccio (1526) -que tiene el Mar Rojo pintado de encarnado y cuyo original se conserva en la Hispanic Society of Ameríca-, y varios instrumentos originales, una ballestilla, un astrolabio y una ampolleta. Prueba del secreto que reinaba en torno a la Casa de la Contratación es el bello manuscrito del «Ytinerario de Navegación», de Juan Escalante de Mendoza (1575), que no pudo publicarse hasta casi un siglo después debido al veto real por los detalles que ofrecía sobre las rutas hacia América.

La llegada del siglo XVII supone el desarrollo de los descubrimientos científicos y la mejora de los instrumentos, como se aprecia en el bellísimo astrolabio de Michel Coignet, fabricado en Amberes en 1598. Será en Flandes donde la industria geográfica se desarrolle con más eficiencia, gracias a los datos de los navegantes que ya recorrían el mundo en nombre de la Corona española. Atlas de todo tamaño, desde el ricamente decorado al de bolsillo, incluido el que se llevaba en los barcos. Junto a las cartas aparecen instrumentos perfeccionados, el elipsógrafo, compases de distinta naturaleza, escalas.

El siglo XVIII es el de los marinos científicos, como Jorge Juan y Antonio de Ulloa, quienes participaron en la expedición a Quito para medir un grado de meridiano, una de las más hermosas aventuras de la ciencia y de la marina españolas. Gracias a ellos se avanzó en la medición de la longitud, el gran desafío desde el XVI que no se perfeccionaría hasta bien entrado el XIX. Se conservan instrumentos originales utilizados en aquel viaje tan importante para la historia de España, así como las triangulaciones geodésicas del equipo dirigido por La Condamine. El cuadrante acimutal, el nivel geodésico y el octante se unen al mapa simbólico del mundo hispánico, con forma de mujer.

El siglo termina con las comisiones de límites que dan fin a las disputas con Portugal, nacidas del Tratado de Tordesilla y la exposición continúa con el esplendor cartográfico de la Marina Española en el XIX.

La muestra del Naval no solo reúne joyas de la cartografía, sino relatos de contexto. Llama la atención la historia de un mapa, que recorre todos los pasos necesarios desde que un barco acude a medir un territorio hasta que el mapa se imprime, pasando por las matemáticas necesarias, el borrador y la imprenta. Además esos relatos incluyen las importantes misiones científicas de la Armada Española y sus realizaciones cartográficas como el Atlas Marítimo de Vicente Tofiño, así como técnicas como la litografía.

Finalmente la exposición alcanza los medios empleados hoy para la ejecución de cartas y mapas por el Instituto Hidrográfico creado en 1908, tras un siglo difícil que comienza para la Armada en Trafalgar y termina en la guerra de Cuba. Se expone la última carta realizada hasta la fecha, del puerto de Cartagena.

Fuente: http://www.abc.es/

Celtas en el Museo Británico: solo sé que no sé nada

24 septiembre, 2015 por Jose Miguel González Aller Deja un comentario

Celtas en el Museo Británico: sólo se que no sé nada

A mediados de los años 50, el conde e ingeniero José Moreno Torres, un madrileño hijo de gallegos que llegó a ser alcalde de Madrid, creó como homenaje a sus ancestros lo que se daría en llamar «el Chester de los obreros»: los cigarrillos negros «Celtas», cortos y sin filtro. Comenzaron a despacharse en 1957, mayormente desde la Fábrica de Tabacos de La Coruña, que en 1969 llegó a fabricar 300 millones de paquetes. Para adornar las cajetillas, un ilustrador dibujó al celta tabaquero que todos conocemos: una suerte de vikingo barbado, con un casco con alas y espada en ristre.

Hoy podemos sonreírnos ante la recreación un tanto élfica de los celtas de aquel anónimo dibujante. Pero lo cierto es que hizo lo mismo que han hecho todos los que han recuperado el mito desde el siglo XVII, cuando se volvió a escribir el término por vez primera en 2.000 años:directamente inventárselos.

El Museo Británico de Londres inaugura hoy la exposición «Celtas: arte e identidad», en cartel hasta el 13 de enero, con un precio de entrada de 22,5 euros. Tiene la clara vocación de convertirse en su taquillazo del otoño, porque hacía cuarenta años que el British no se ocupaba ampliamente de los viejos celtas, que siguen fascinando.

La muestra deja una sensación ambivalente: los celtas están, pero no están. Se ve su arte, enormemente atractivo, porque se aleja del naturalismo clásico griego y romano para cultivar una abstracción geométrica que resulta muy del gusto moderno, aunque date de la Edad del Hierro. Pero tras pasear por las salas –bajo una innecesaria musiquilla a lo Clannad– se concluye que al hablar de los celtas toca recuperar la vieja máxima socrática: «Solo sé que no sé nada».

La muestra expone 250 objetos teóricamente celtas. El viaje comienza 500 años antes de Cristo, cuando los antiguos griegos emplean por primera vez el término para denominar a los bárbaros norteños que viven al Norte y al Oeste de los Alpes, ajenos a la cultura mediterránea. La exposición, elaborada mano a mano por el British Museum y el Museo Nacional de Escocia, es una delicia estética, aunque a veces abuse de las copias de originales no cedidos. Torques lujosos, espirales, triskels, arpas, espadas, cascos tan evocadores como el de cuernos hallado en el Támesis, objetos domésticos, la lectura celta de la llegada del cristianismo, con sus cruces de estética artúrica… Las últimas salas viajan ya a tiempos recientes para contar el revival céltico que arranca en el siglo XVII y que estalla con las exaltaciones victorianas del XIX. En la época romántica entran también en escena las mixtificaciones nacionalistas de galeses, escoceses e irlandeses, que buscan una leyenda que los distancie políticamente de los ingleses.

El arte celta brilla en la exposición. Es su estrella y su razón de ser. Pero del British te marchas con una pregunta: ¿existieron realmente los celtas? La muestra informa de que no formaron una etnia, no tuvieron una lengua común y jamás se llamaron a sí mismos celtas. En cuanto a su ubicación geográfica, sus vestigios van de Turquía a Irlanda. Es divertido ver que las dos únicas piezas españolas, ambas de la colección del Museo Británico, son un torque gallego de oro, hallado en Orense, y otro magnífico de plata, del año 100 a.C., encontrado en ¡Córdoba!, también celta.

En los mapas sobre la extensión de aquella civilización –¿fue tal?– a lo ancho de Europa se asegura que en la Península Ibérica se asentaron en el Sur de Portugal, en lo que hoy son las provincias de Pontevedra y Orense y en una amplísima franja que va de Guadalajara a Burgos. Para decepción del nacionalismo gallego, la exposición ningunea la querencia céltica de Galicia, inventada en el XIX con una pasión que rondó el racismo por Manuel Murguía, el marido de Rosalía de Castro, y que hoy sobrevive allí en todo tipo de manifestaciones, desde culturales (el Festival de Ortigueira o la artesanía) a deportivas (el Celta de Vigo).

Lo que uniría a los celtas sería ante todo un temprano y característico tratamiento artístico del metal. También que no vivían en ciudades, sino agrupados en pequeñas villas, muchas veces sobre colinas. Eran belicosos y valientes y, cuando Julio César invadió Britania en el 55 a.C., los elogió por su soberbio desempeño en la guerra con carros (en la exposición se expone uno, una recreación inventada). También se asegura que les gustaba el vino peleón, como ellos, que hacían ofrendas en lugares que consideraban sagrados y que contaban con líderes religioso-mágicos, a lo druida de Astérix y Obélix.

La exposición concluye precisamente con un tebeo de Astérix y una camiseta del Celtic de Glasgow, pruebas de la pujanza de la leyenda. Como dice el director del Museo Británico, Neil MacGregor: «En esta exposición no hemos tratado tanto de mostrar a una gente como de mostrar una marca». Como buen mito que es, la marca entretiene y vende.

Fuente: http://www.abc.es/